The Mothers of Invention - We're Only in it for the Money (1968)

“We're Only in It for the Money” es el tercer álbum de estudio de The Mothers of Invention lanzado el 4 de marzo de 1968, por Verve Records. Al igual que con los dos anteriores discos de la banda, “We're Only in It for the Money” es un álbum conceptual, y satiriza la política de izquierda y de derecha, en particular la subcultura hippie, así como el famosísimo álbum de The Beatles, “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band”. Fue concebido como parte de un proyecto sin potencial comercial, que produjo otros tres álbumes: “Lumpy Gravy”, “Cruising with Ruben & the Jets” y “Uncle Meat”. “We're Only in It for the Money” abarca rock, música orquestal y experimental, con sus segmentos de orquesta que se derivan de las sesiones de grabación para “Lumpy Gravy”, que fue emitida previamente como un disco instrumental en solitario por Capitol Records y fue reeditado posteriormente por Zappa y liberado por Verve. La reedición de “Lumpy Gravy” se produjo al mismo tiempo que “We're Only in It for the Money”, y es la primera parte de una continuidad conceptual, que continuó con la reedición de Lumpy Gravy y concluyó con el último álbum de Zappa, “Civilization Phaze III” de 1994. El genio inquieto y sardónico de Frank Zappa diatribando con ironía contra el movimiento hippie y la ebullición y efervescencia de su contexto cultural, ejemplificada en el flower-power (primordialmente contra el falso hippiesmo).Su sátira se configura en un divertido trabajo pop-rock experimental con retazos doo wop, pasajes de avant-garde, pop de buena construcción melódica, elementos jazzisticos e incluso ritmos de vals.También en su temática ofrece momentos para el optimismo libertario y el énfasis en su autodefinición como personalidad independiente, nihilista y contestataria. Algunas sonoridades en piezas de presuntuoso vanguardismo, como "Nasal Retentive Calliope Music" o la inaguantable "The Chrome Plated Megaphone Of Destiny", no pueden oscurecer el resultado conjunto de un magistral disco, original, ecléctico, hilarante y sorprendente, de vocalidad retorcida y bufona que contiene joyas (todas ellas de corta duración) como "Who Needs The Peace Corps", "Concentration Moon", "What's The Uglies Part of Your Body?", "Absolutely Free", "Idiot Bastard Son", "Flower Punk", "Mother People", "Let's Make The Water Turn Black", "Lonely Little Girl" o "Take Your Clothes Off When You're Dance".


¿Cuál sería el objetivo de Frank Zappa y The Mothers of Invention cuando grabaron We’re Only In It For The Money en 1968? ¿Trataban de responder mordazmente a The Beatles, quienes acababan de publicar el que para muchos es su obra maestra: Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band? ¿Era éste el golpe satírico definitivo que el grupo había estado buscando ya desde sus dos obras anteriores: Freak Out! (1966) y Absolutely Free (1967)? Después de todo, tanto sus dos predecesores, como We’re Only In It… tenían evidentemente algo en común: el desdén expresado mediante un humor punzante y sardónico dirigido al establishment sociopolítico y a la floreciente generación hippie. Las respuestas pueden variar, los hechos están ahí para ser interpretados. Lo que es una certeza es que muchos consideran este álbum como el mejor de los más de 60 que, entre Zappa y The Mothers of Invention, llegaron a publicar.

            

Inmediatamente después de entender bien la impronta del título del álbum, “Sólo estamos aquí por el dinero”, lo primero que habría que revisar para tratar de responder las preguntas iniciales, es la portada del mismo. En ella aparecen los integrantes de la banda travestidos y reunidos alrededor de un bombo sobre el cual se puede leer el título del álbum. Frente a ellos, un conjunto de frutas y vegetales (sandías, zanahórias, fresas, tomates) en un rectángulo enmarcado por lechugas, conforman la palabra “Mothers”. Detrás de ellos hay un collage de iconos y celebridades que van desde Jimi Hendrix hasta Los Tres Mosqueteros, pasando por la Estatua de la Libertad. Un cielo oscuro y relampagueante sustituye el celeste de Sgt. Pepper’s… Pero el guiño intertextual no acaba ahí: a diferencia de la contraportada del álbum del cuarteto de Liverpool, donde Paul McCartney es el único de los 4 integrantes que da la espalda a la cámara, la de We’re Only In It… muestra una foto del grupo en un fondo rojo, nuevamente con todos los integrantes travestidos y dando la espalda a la cámara, excepto uno de ellos cuya función es mostrar una hoja arrugada de papel estraza.

Resulta muy forzado hacer una comparación canción por canción entre Sgt. Pepper’s… yWe’re Only In It… No obstante, es relativamente sencillo encontrar huellas paródicas en canciones como “What’s the Ugliest Part of Your Body?" en la que se puede percibir con claridad un eco del timbre suave y melodioso de John Lennon. Asimismo, el cuarto track del álbum titulado “Mom & Dad", deja ver una intención tanto musical como vocal similar a la de The Doors, otro infalible ícono del hippismo.

Más allá de una respuesta directa a The Beatles, “We’re Only In It For The Money” es más una crítica a todo el contexto del movimiento Flower Power (constantemente aludido en el álbum como Flower Punk), del cual Sgt. Pepper’s… fue, por supuesto, uno de los símbolos más representativos.

En la musicalización de “We’re Only In It For The Money” algunos instrumentos y la mayoría de los sonidos vocales fueron manipulados de tal forma que producen texturas raras y caricaturescas. Casi todas las piezas son breves y se entrelazan mediante fragmentos musicales editados y conversaciones que irrumpen consistentemente en la continuidad. Lo anterior no impide que la composición musical sea sólida y elaborada. En fin, la lista de momentos brillantes es larga. El disco, tal como sucede con la mayoría de los discos de Zappa, no se abarca en su complejidad sino hasta después de escucharlo algunas veces de principio a fin.

Hay una especie de poder mágico que sale de la música de Zappa y que es difícil de explicar. Personalmente, no me canso de escuchar las melodías entrecortadas –algunas aparentemente disarmónicas–, los diálogos bizarros, los monólogos improvisados… en fin todo ese abanico de opciones cargadas de un humor corrosivo, que terminan pareciéndome absurdamente perfectas a pesar de haberlas escuchado decenas de veces. Para entender a Frank Zappa hay que prestarse a la experiencia de escucharlo sin prisa. Como algunas otras obras clásicas, las de Zappa requieren cierto grado de compromiso, y otro tanto de concentración. Luego ya todo se convierte en goce.

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The Mothers of Invention - Absolutely Free (1967)

Si Frank Vincent Zappa Jr. hubiera nacido en otra época y en otro lugar se hubiera convertido probablemente en un serio compositor de música clásica. Pero la suerte quiso que Frank Zappa creciera respirando el aire de la cultura juvenil de California, al ritmo del doo-wop de los años cincuenta y del rhythm and blues, que comenzase a componer a partir de estos dos estilos. De hecho, antes que cantante o guitarrista, Frank Zappa es un compositor. Amante de las fusiones más osadas, fue uno de los primeros en establecer un puente entre pop, rock, jazz y música sinfónica, e incluso operística, logrando, con una ironía sólo equiparable a su inteligencia musical, fascinar, además del público del rock, a muchos estudiosos de la música llamada "seria”.

Con esta pequeña referencia a Zappa, procedo a hablar respecto de Absolutely Free, el segundo álbum de The Mothers of Invention, dirigido por Frank, lanzado el 26 de Mayo de 1967 por la discográfica Verve, nuevamente bajo la colaboración del productor Tom Wilson. Es  de nuevo, una muestra de compleja composición musical con la sátira política y social. La banda había sido aumentada desde Freak Out!, mediante la adición del saxofonista  Bunk Gardner, el tecladista Don Preston, el guitarrista Jim Fielder y el baterista Billy Mundi. Fielder abandonó el grupo antes de que el álbum fuera lanzado, y su nombre fue borrado de los créditos.

Este álbum pone énfasis en los movimientos interconectados, ya que cada lado del LP de vinilo original, cuenta con una mini-suite. También cuenta con una de las canciones más famosas de la carrera temprana de Zappa, "Brown Shoes Don’t Make It", un tema que ha sido descrito como un "condensado de dos horas musicales".

Más completo y trabajado que su debut, este álbum es la obra maestra de este período. Zappa asume la dirección total de la banda y asume su posición de guitarrista solista. Desde la mordaz ‘Plastic People’, una revisión del clásico ‘Louie Louie’, a ‘America Drinks & Goes Home’, pasando por dos suites magistrales, ‘Duke Of Prunes’, de una extraña belleza, o ‘Call Any Vegetable’, un rock en tres partes cuya parte central es un largo y magistral solo de guitarra, uno de los mejores de Zappa, o esa otra revisión de ‘Louie Louie’ que es ‘Suzi Creamcheese’, una de los temas más pegadizos que realizó Zappa. Además contiene ‘Bobby Brown Don’t Make It’, un tema complicado con diversidad de estilos musicales, que es una de las cumbres de Zappa como compositor. Fue escenificado por la banda en el Greenwich Village neoyorkino durante seis meses, suponiendo un escándalo en su época, y fue considerado como ‘pornográfico’, ‘corrosivo’ e ‘inmoral’.

Con este disco Zappa se enfrenta a la América burguesa: canciones como 'Brown shoes don't make it, Plastic people' y 'America drinks' expresan, de forma irónica, la rabia y el desacuerdo que Zappa abriga hacia el conformismo. Mientras tanto, The Mothers han conseguido una inmejorable compenetración en directo; Collins, Black, Estrada, Don Preston (teclados), Billy Mundi (batería), Buck Gardner y Motorhead Sherwood (instrumentos de viento) se habían ejercitado durante seis meses de actuaciones en el Garrick Theatre del Greenwich Village, con una media de catorce actuaciones por semana. El grupo había aprendido a seguir las indicaciones de Zappa, director de orquesta, y a hacer un espectáculo teatral con la participación del público. Una noche Frank les pide a unos marines que suban al escenario para mostrar cómo el ejército destroza a los niños; para la ocasión se utilizaron muñecos de trapo.


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The Mothers of Invention - Freak Out! (1966)

Todo un gurú de la experimentación, la vanguardia sónica, del humor ácido, la parodia y la sátira, Frank Zappa y sus Mothers of Invention presentaban este primer disco en plena efervescencia hippie y psicodélica, un trabajo conceptual editado en su tiempo como doble LP y estructurado en una dualidad sonora muy distinguible, lanzado el 27 de junio de 1966 por la discográfica MGM/Verve. Aunque a menudo es citado como uno de los primeros álbumes conceptuales, el verdadero nexo de unión del álbum no está basado en la música del mismo, sino en la actitud satírica basada en la percepción única del líder de la banda Frank Zappa respecto a la cultura popular de Estados Unidos.

El álbum fue producido por Tom Wilson (colaborador de Bob Dylan, Simon & Garfunkel y Soft Machine), que ofreció un contrato discográfico a The Mothers, anteriormente una banda que tocaba en bares, conocida como Soul Giants, creyendo que era una banda de blues formada por gente blanca. El álbum cuenta con el cantante Ray Collins, junto con el bajista Roy Estrada, el batería Jimmy Carl Black y el guitarrista Elliot Ingber, que luego trabajaría con The Magic Band de Captain Beefheart bajo el nombre de Winged Eel Fingerling.

El repertorio original del grupo estaba compuesto únicamente de versiones. Cuando Zappa se unió a la banda no sólo cambió su nombre, sino que expandió su música al incluir una gran cantidad de material original. El contenido musical de Freak Out! incluye desde rhythm and blues, doo-wop y rock con influencia de blues estándar, hasta arreglos orquestales y collages sonoros avant-garde. Aunque el álbum fue recibido al principio con poco entusiasmo en los Estados Unidos, fue un éxito en Europa. En Estados Unidos se ganó seguidores de culto y siguió vendiendo en cantidades sustanciales hasta ser descatalogado a principios de los años 1970.

El álbum influenció la producción de The Beatles, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. En 1999, le fue otorgado el Premio Grammy Hall of Fame, y en 2003, la revista Rolling Stone lo incluyó en la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

En 2006, The MOFO Project/Object, un documental en audio acerca de la grabación del álbum, fue lanzado en honor a su cuarenta aniversario. 

El primer disco está compuesto por canciones cortas, muy cercanas al pop procedente de las Islas Británicas, melódicamente muy conseguidas como "Anyway The Wind Blows", "Motherly Love" (amor a los Mothers of Invention, por supuesto), "You Didn't Try to Call Me", "I'm Not Satisfied" (todo un canto al suicidio), "How Can I Be Such a Fool" o "Wowie Zowie" (esta pieza con un teclado a lo Del Shannon).

La psicodelia brilla en temas ya clásicos como "Who Are The Brain Police?" o "Hungry Freaks, Daddy" (de influencia stoniana).

Tampoco desdeña retazos doo-wop y jazzísticos que serían marca de la casa en su ecléctica y prolífica trayectoria.

El segundo vinilo (mucho menos accesible comercialmente, algo que a Zappa le traía al fresco) presenta una feroz tríada de largas piezas de cimiento vanguardista y determinada diatriba social, marcadas por un atractivo y caótico poder sónico que se inicia con la soberbia y garajera, con ecos dylanianos, "Trouble Every Day" y que es continuado por cortes perturbados y audaces como "Help, I'm a Rock" (con la participación de Kim Fowley) o "The Return Of The Son Of Monster Magnet".

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